La tecnica preferita da Anna Colitti per realizzare le sue opere è la fotografia. Con questa l’artista opera soprattutto con l’autoscatto e quindi con l’autoritratto.
Troppo spesso l’autoritratto viene classificato come “narcisismo” nel senso freudiano, ma noi stiamo fermi invece sulla versione del mito come lo descrisse Ovidio, cioè Narciso muore affogato nel tentativo di “abbracciare” la sua immagine, cioè di “com-prendere” (che in latino significa “prendere insieme”, “abbracciare”) e conoscere se stesso; ricordiamo anche che noi conosciamo noi stessi solo davanti a superfici specchianti, quali l’acqua e poi lo specchio, o con la fotografia.
Colitti certamente si autoritrae per conoscere meglio la sua identità, cioè il suo Sé, ma va oltre.
Con l’autoritratto elabora il mito, “esegue” riti, finanche esoterici, descrive situazioni sociologiche, emozionali (come il ricordo, l’inquietudine, la morte ed altro ancora). Naturalmente lo fa con gli strumenti propri dell’arte che, sia essa pittura o fotografia, poesia o cinema, sempre ricorre alla fantasia creatrice ma non staccata degli elementi di realtà, materiali e spirituali.
Colitti non si limita all’autoscatto ma crea scenari e ambientazioni adatte a quello che vuole esprimere e in questo spesso le sue opere hanno connotati pittorici, memori della grande arte del passato, come le luci e le ombre di Caravaggio.
Allora, per non fare che pochi esempi, vediamo che le sue mani fungono da clessidra perché lasciano cadere lentamente la sabbia. Questo è il suo modo, artistico, di parlare del tempo, una categoria che ha coinvolto, fin dalle origini, la filosofia ed anche l’arte, e un vissuto che è sempre sfuggente, bello e terribile.
Ed il tempo viene affrontato dall’artista anche dal punto di vista intimo, cioè come ricordo: concetto che è memoria, quindi conservazione di qualcosa che non è più ma anche sentimento vivo, presente.
Così Colitti realizza un dittico, Generazioni, in cui lei appare, in una foto, mentre tiene nella sua mano quella della nonna, e, nell’altra, quella della madre. Qui il tempo non è quello cronologico, quello lineare della freccia né quello ciclico, bensì quello interiore di Sant’Agostino, infatti, al di là delle differenze di età, l’artista sembra quasi “fermare” lo scorrere del tempo che lega indissolubilmente i tre soggetti del dittico. Va notato che non appaiono i volti, proprio per non caricare il lavoro di soggettivismo, dovendo l’arte parlare a tutti.
C’è un’altra serie di tre opere che ci portano nella memoria e nella nostalgia: si tratta di autoritratti dell’artista mentre esce da una soffitta. L’osservatore, davanti a questi lavori, sarà preso dal dolce ricordo personale perché ognuno ha avuto una vecchia soffitta, o un solaio o anche una cantina, in cui da piccolo ci andava a rovistare e trovava tante cose, oggetti dimenticati, “pezzi” di famiglia, memorie e fonti di grandi fantasie.
Ancora una volta viene oltrepassata la soggettività dell’autrice per rivolgersi a tutti o, almeno, a coloro che hanno sensibilità artistica e poetica.
Infine, vogliamo evidenziare che anche le immagini in cui Colitti appare nuda, sempre in modo pudico, non sono semplicemente le immagini di una persona determinata, infatti l’autoritratto si manifesta come la fotografia di una statua greca, date la plasticità delle forme del corpo e le luci, sempre attente ai chiari e scuri, che, scivolando sulle membra, illuminano e ombreggiano la pelle.
A conferma dell’impegno e della complessità del suo fare artistico, ricordiamo anche che, oltre alla fotografia, lei pratica l’incisione e il disegno, tecniche “artistiche” – non a caso usa anche la sanguigna – che ancora una volta collegano Anna Colitti a quella grande catena che è la storia dell’arte, nel suo passato, presente e futuro.

"Offerta"
Tecnica: fotografia analogica medio formato
Misure: 80x100cm
Supporto: stampa fine art montata su d-bond
Anno: 2007

"Offerta"
Technique: analogue photography
Dimensions: 80x100cm
Support: fine art prints installed on d-bond
Year: 2007

"Inside Outside"
Tecnica: fotografia analogica medio formato BN in fotografia analogica a colori
Misure: 80x100cm
Supporto: stampa fine art montata su d-bond
Anno: 2007

"Inside Outside"
Technique: analogue photography
Dimensions: 80x100cm
Support: fine art prints installed on d-bond
Year: 2007

In quest’opera esamino una predisposizione interiore che reagisce al contatto con una realtà esteriore opposta a cui si sente impotente, facendone nascere un emozione di sofferenza.
Una donna inginocchiata piange perché nonostante la sua fede (simboleggiata dal crocefisso al collo) e la sua bontà la vita continua a darle motivo di dolore, essa si sente impotente nonostante si trovi nella purezza dell’acqua pulita (simbolo di creazione e purificazione).
La sua figura emerge dall’ombra, quest’ombra contrasta con la limpidezza dell’acqua che ne avvolge l’immagine creando un gioco di trasparenze e riflessi di luce sulla superficie. Attorno a questa pozza limpida con fonte continua (rubinetto), la crudezza della materia che la circonda (lavandino sporco e pieno di incrostazioni).

(testo del 2014)

"Martirio"
Tecnica: stampe ai sali d'argento, pannelli dbond
Misure: base 50 x altezza 68 cm ciascuna (trittico)

Questo trittico simboleggia il martire dell'epoca moderna, una sorta di San Sebastiano trafitto, non più dalle frecce, ma dalla sua relazione con un progresso incontrollato che lo allontana dalla natura e dalla sua libertà.

"Percorsi" (collezione Seat)
Tecnica mista su cartone
Anno: 2007

Opera vincitrice del Premio Pagine Bianche d'Autore 2007 per il Friuli Venezia Giulia.
Pubblicata sulla copertina dell'elenco telefonico di tutta la regione. In seguito all'acquisizione da parte del Gruppo Seat per la Collezione Seat è stata esposta ad Artissima a Torino nello stesso anno.

"Oltre le tenebre" (collezione privata)
installazione site specific per Pardes nell'ambito del tema "Uno squarcio nelle tenebre"
Materiali: lastra di acciaio lucidata a specchio con materiale plastico nero sovrapposto in cui si trovano dei buchi prodotti attraverso combustione
Misure: 100x100cm
Anno: 2016

"Ingresso della luce"
tecnica: incisione - maniera nera su rame
Misure: 35x50cm

La materia della lastra di rame viene lavorata, nella parte bassa, con ritmici passaggi di “mezzaluna” fino ad ottenere una trama fitta che consente di conseguire una superficie nera nella fase di stampa. I bianchi - gocce di luce nell’oscurità - sono ricavati successivamente riportando il rame ad uno stato di livellamento attraverso una pressione dei quelle zone.
La materia lavorata in questo modo diventa allegoria: crea e da forma ad un simbolico “Ingresso della Luce”, una luce che penetra nelle tenebre.

"Anima Ardente "
Tecnica: incisione calcografica - vernice molle e acquaforte su zinco, stampa su carta rosaspina con inchiostro colorato
Misure: 17 x 24,5 cm

"Lapis"
Tecnica: olio su tela

Paesaggi industriali
Gli edifici delle fabbriche, i macchinari in essi contenuti, e i particolari meccanici, hanno suscitato in me un forte fascino e mi hanno portata a fare delle riflessioni, e di conseguenza alla decisione di rappresentarli nelle mie opere.
Dalle riflessioni sull’uomo e l’ambiente che lo circonda sono nati i “paesaggi industriali” che hanno coinvolto la mia produzione artistica a più livelli per diversi anni.

Avendo avuto la fortuna di crescere in un ambiente rurale ho potuto fare esperienza dell’importanza di vivere a contatto con la natura, sentirne le energie sottili e indagarne l’influenza sull’essere umano. Nelle esperienze di relazione interpersonale ho potuto notare come questo legame sia quasi assente in chi ha da sempre vissuto in città, e come questa assenza possa allontanare l’uomo da un “sentire” più ampio rispetto a quello principalmente materiale.
Dopo due secoli dalla rivoluzione industriale le fabbriche hanno invaso quasi tutte le nazioni, mutandone radicalmente il paesaggio, l’essere umano spesso vive la sua intera esistenza tra il cemento armato delle città, rinunciando, in questo modo, ai benefici dell’energia della terra e della natura. In quest’epoca è nato un nuovo paesaggio in grado di suscitare emozioni diverse da quelle di qualsiasi manifestazione in natura: il paesaggio industriale, che nel mio immaginario diviene un luogo di smarrimento in cui l’uomo si aliena da se stesso e si allontana dalle sue radici.

La realizzazione di questa serie di opere è iniziata cercando dei luoghi per me significativi e andando in loco a realizzare delle riprese fotografiche in bianco e nero. Dopo aver sviluppato il rullino ho stampato le fotografie in camera oscura e successivamente ho realizzato delle elaborazioni pittoriche manuali a partire da queste, in modo che il risultato mi permettessero di ottenere un immaginario fantastico, scarno e desolante o, in alcuni casi, apocalittico. Partendo dagli elaborati così ottenuti ho realizzato diversi oli su tela.

Industrial I rappresenta un interno quasi claustrofobico in cui un macchinario si staglia in un atmosfera immobile, innaturale come i colori che la rappresentano, fuori dal tempo.

"Industrial I"
Olio su tela
145x145cm

Nel Dittico vediamo delle tubature di metallo, con altri elementi metallici, affiorare da un fondo inesistente, quasi apparire dal nulla o dalla nebbia. Si possono scorgere alcune linee di costruzione o schizzate, ad alludere alla costruzione operata dall’uomo. I toni sono monocromi, richiamano il colore della terra e della ruggine, e rimandano a un senso di alienazione e smarrimento.

"Dittico I e II"
Olio su tela
2 tele di 150 x 65 cm

"My past"
Tecnica: 2 light box
Misure: 30 x 80 cm e 30 x 40 cm
Anno: 2010

Opera nata da un ritrovamento "casuale" che mostra ciò che ero oltre 15 anni fa, la traccia rimasta non è solo della parte più densa del mio corpo, ma anche di quello che era il mio modo di essere all'epoca: si distingue la presenza di numerosi piercing che allora non ho voluto togliere per effettuare la radiografia ai raggi X. Piercing che non ho più, e di cui rimane traccia sulla mia pelle, oltre che sul mio carattere, anche se adesso sono profondamente altro da allora.
Elementi che hanno accompagnato e accompagnano ancora molte persone che ho frequentato.

BIOGRAFIA

Anna Colitti vive tra la città di Venezia e la campagna friulana.
Si è formata presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia (laurea quadriennale in pittura, biennio specialistico in arti visive e discipline dello spettacolo indirizzo pittorico, biennio per l’insegnamento). Appassionata della filosofia nei suoi aspetti teorici e pratici ha approfondito la sua formazione con corsi di discipline olistiche per oltre vent’anni.

Artista eclettica, utilizza molteplici linguaggi e diversi mezzi espressivi per rappresentare il suo pensiero e il percorso evolutivo che sta svolgendo.
Le sue opere hanno un carattere prevalentemente simbolico e allusivo, siano esse figurative o astratte. I concetti contenuti si rivelano al fruitore attraverso più livelli di comprensione a seconda della predisposizione di ognuno. Importante perciò l’interazione con l’osservatore, sia che esso venga stimolato ad una riflessione, più o meno profonda, sia che venga inconsciamente colpito dall’estetica dell’opera e dalla “vibrazione” che la accompagna.

Tra i mezzi espressivi la fotografia è un mezzo privilegiato di indagine e produzione estetica (dalla sua prima reflex all’età di 11 anni), talvolta punto di partenza anche per la realizzazione di lavori di pittura o installazioni.

Fin dalla giovinezza ha “lavorato” sulla sua immagine attraverso la ripresa fotografica. Inizialmente il processo è stato inconscio per poi è diventare man mano cosciente. La creazione dei primi autoritratti è stata infatti impulsiva, seguita da una produzione più riflessiva incentrata sulla sua personalità e le sue emozioni, per poi articolarsi in un percorso-indagine interiore. In seguito ha utilizzato la sua immagine anche per rappresentare ed esprimere concetti astratti o legati a percorsi filosofico-spirituali.

Negli autoritratti fotografici la luce utilizzata è sempre naturale: fondamentale sia per effetto stilistico che per desiderio concettuale. Le fotografie in BN sono stampate in camera oscura dall’artista, talvolta modificate mediante l’utilizzo di doppie esposizioni o elaborazioni pittoriche con l’acido, oppure stampate su carta Fine Art dopo la scansione del negativo.
Nei lavori a colori in pellicola predilige il medio formato, talvolta utilizza anche la fotografia digitale, la scelta avviene a seconda della necessità espressiva che richiede il tema trattato.
Alcuni lavori sono raggruppati in serie tematiche. Tutte le opere fotografiche sono stampate in tiratura limitata e numerate.

La sua produzione a questo tema è stata recensita favorevolmente dal critico e filosofo Giorgio Bonomi nel suo libre di recente pubblicazione “Il corpo solitario. L’autoscatto nella fotografia contemporanea. Vol II” e “Il corpo solitario. L’autoscatto nella fotografia contemporanea. Vol III”, Rubbettino ed.

L’opera “Dioniso I” è presente nella collezione sull’autoritratto fotografico del Museo di Fotografia Contemporanea di Senigallia (Musinf).

La tematica dell’autoritratto viene realizzata anche con altre tecniche: incisione calcografica, disegno, pittura.

L’artista ha realizzato molte opere fotografiche nell’ambito del ritratto fotografico con la collaborazione di alcuni soggetti che si sono prestati per svolgere su di loro un percorso di indagine interiore atto a rappresentare i vari aspetti delle loro personalità.
In parallelo al lavoro sull’autoritratto e il ritratto ha realizzato altre serie fotografiche. Tra queste ricordiamo i paesaggi industriali che sono stati anche base per una produzione pittorica.

In ambito pittorico possiamo trovare diversi periodi espressivi con tematiche distinte, sempre collegate agli ambiti sopraccitati, e spesso connesse anche agli altri tipi di produzione.
Un periodo di espressione astratta che ha visto la vincita del Premio Pagine Bianche d’Autore del 2007 come miglior artista della sua regione di nascita, il Friuli Venezia Giulia, con la sua opera “Percorsi” premiata a Roma e successivamente pubblicata sulla copertina dell’elenco telefonico di tutta la regione. In seguito all’acquisizione da parte del Gruppo Seat per la Collezione Seat è stata esposta ad Artissima a Torino nello stesso anno.

Appassionata di grafica d’arte, ha realizzato diverse incisioni calcografiche con le diverse tecniche.

Le opere sono accompagnate da riflessioni che, dopo la loro esecuzione, l’artista mette sovente per iscritto: nella sintesi dell’opera si concretizza un percorso e nell’osservare il prodotto derivato dal pensiero e dall’azione diventano più chiare azioni inconsce, bisogni, direzioni.

Ha esposto in diverse mostre personali e collettive in Italia e all’estero.

Abilitata in discipline pittoriche, grafiche, scenografiche, insegna presso il Liceo Artistico di Venezia.

BIOGRAPHY

Anna Colitti currently lives between Venice and Udine. She is an artist who opens her style amongst the various disciplines of visual arts, by caring and deepening both theorical and practical aspects.
Her education took place first at Arts Academy of Fine arts in Venice, where she obtained: the degree of 4 years bachelor with painting adress (thesis on research in art history); Master degree (2 years) in visual arts and performing disciplines (mark 110 with honours); and teaching qualification of pictorial art.
She moves between different disciplines of visual art while studying both theoretic and practical aspects.
Polyedric artist, she uses for her works various expression means, whose choice follows her communication needs, such as painting, photography.
The themes of her works are intimately linked to personal research in psychology and philosophy: various levels of understanding are possible for the viewer, according to the degree of sensibility and knowledge of the dealt concepts. Therefore there are 2 ways of approaching her art: the emotional way, immediate, of the first visual impact, and the reflexive and introspective way that comes along a careful observation.
Her artworks are present both in public and private collections. She has participated to various personal and group exhibitions.

In 2007 she won “Pagine Bianche d’Autore” for the Friuli Venezia Giulia region. The artwork now belongs to Seat collection (Tourin).
Since 2015 she is present at the National Archive of Photographic Self-portrait Musinf museum in Senigallia (Museum of modern art and photography). Curators: Giorgio Bonomi, Italian coordinator of the Archive the Self photo, Carlo Emanuele Bugatti, director of Musinf. www.musinf.it